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Torbjørn Rødland is to photography what the Pet Shop Boys are to pop music: a master of the delicately orchestrated clichée overload, a surcharge of the too obvious, too cute or too inane, played to the point where the images are drained of all trace of common sense and suggest a new sense of silence or mystery. Rødland has a knack for producing images that make you ask what are, in fact, appropriate motives for art photography: Images of single audio or video cassettes? Bleak black and white renditions of countryside churches? George W. Bush’s favourite ice cream? A black banana? Girls and pets, pets and girls? He creates a complex of readings that inveigles the viewer into spending time with each single image, to reconsider its meaning and relevance. White Planet, Black Heart makes no excuses as it reinvents the romantic impulses of popular culture.

Kiki Smiths Fotografien sind nicht nur ein essentieller Bestandteil ihres Werkprozesses, sondern stehen ebenso als eigenständige Arbeiten neben ihren Skulpturen, Installationen, Zeichnungen, Drucken und Künstlerbüchern. Über drei Jahrzehnte hinweg hat Smith mit dem Medium Fotografie experimentiert, es als Werkzeug und Ausdrucksmittel benutzt und mit ihm Raum, Komposition, Farbe und Stofflichkeit erforscht. „Ich glaube nicht, dass es in meinen Arbeiten ausschließlich um Kunst geht“, sagt Smith. „Es geht in Wirklichkeit um mich, um mein Dasein in diesem Leben, in dieser Haut. Ich schlachte meine eigene Erfahrung aus, mein Umfeld.“ Die vorliegend Publikation ist Überblickswerk und Künstlerbuch zugleich. Sie präsentiert Kiki Smiths eigene Auswahl unveröffentlichter Fotos zusammen mit einem Essay von Elizabeth Brown, der den Prozess im Atelier, die Identitätskonstruktion und –reflektion, das Geschichtenerfinden sowie das Dokumentieren der eigenen Arbeiten der Künstlerin beleuchtet.

“No one wants to be a prophet, if the job can be avoided. What you want to try to be is a psalmist.” (Robert Adams) Robert Adams began by photographing suburban landscapes along the edge of the Rocky Mountains. His goal was then, and remains, to acknowledge the disappearance of wilderness but also to discover a basis for affirmation. In the 1980s he went on to revisit semi-rural areas through which he had walked as a boy – landscapes no longer pristine but still notable for their quiet, space and light. The views in this book, none published before, record some of what he found compelling.

Josef Albers (1888 - 1976) ist als Maler, Farbtheoretiker, Bauhaus-Meister und Lehrer bekannt geworden. Erst nach seinem Tode entdeckte man in seinem Nachlaß Hunderte von Fotos. In Zusammenarbeit mit der Josef Albers Foundation hat der Kölnische Kunstverein eine erste Präsentation seines photographischen Werkes erarbeitet. Hrsg. von Marianne Stockebrand.

Paul Almasy, Fotograf, Journalist und Politologe, 1906 geboren und 98-jährig gestorben, Inhaber zahlreicher Fotopreise, Träger renommierter Orden und im Alter rühriger Gastdozent für Fotografie an der Sorbonne schuf über 50 Jahre sein „Archiv der Welt“, das über 120.000 Negative umfasst. Almasys Werk besteht aus zwei großen zeitlichen und formalen Einheiten: der Kleinbildfotografie (Frühwerk) der 30-er und 40-er Jahre und der Mittelformatfotografie (Hauptwerk) ab Mitte der 40-er Jahre. In diesem Buch wird das Frühwerk als bisher unveröffentlichtes Konvolut präsentiert, ein sowohl fotoästhetisch wie zeitgeschichtlich beachtliches Werk.

Darren Almond wuchs zwischen Kohleminen und Verkehrsknotenpunkten, mitten im Nordwesten Englands auf. In seiner Jugend war er ein begeisterter Trainspotter. Seitdem thematisierte er die Eisenbahn in vielen seiner Arbeiten, von Bahnhofsuhren, die er zu riesigen Skulpturen ausdehnt, zu Textexperimenten, die formell an die geprägten Zeichen an Schienenfahrzeugen erinnern. Journey Time, eine Filmtrilogie über außergewöhnliche Züge, ist sein wahrscheinlich ambitioniertestes Projekt in diesem Bereich und wird als Meilenstein seiner künstlerischen Laufbahn angesehen. Almond filmte die Wuppertaler Schwebebahn mit einer auf den Kopf gestellten Kamera, hielt eine Wiener Geisterbahn in expressionistischen Schwarz-Weiß-Bildern fest und dokumentierte eine Reise auf der höchstgelegenen Bahnlinie der Welt. Almond setzt moderne Transportmethoden als Metapher für den menschlichen Existenzkampf um. Der Katalog enthält die wesentlichen Bilder aus allen drei Filmen.

Ellen Auerbach, die 1906 in Karlsruhe geboren wurde und 2004 in New York starb, ist in vielerlei Hinsicht eine paradigmatische Figur: Ihre Bilder sind Ikonen der Avantgarde-Photographie, ihr Lebensstil ließ sie zur Verkörperung der "Neuen Frau" in der Weimarer Republik werden, und ihre Odyssee von Berlin über Palästina und London nach New York spiegelt das Schicksal tausender deutsch-jüdischer Künstler im 20. Jahrhundert. Ellen Auerbach wäre im Mai 2006 hundert Jahre alt geworden. Unsere Monographie, die eine Ausstellung in der Münchner Pinakothek der Moderne begleitet, folgt den Stationen einer künstlerischen Entwicklung, der die Zeichen der Zeit im Positiven wie im Negativen den Weg wiesen. Im Berlin der 20er Jahre studiert Ellen Auerbach zunächst Bildhauerei, bevor sie sich bei dem Bauhaus-Lehrer Walter Peterhans zur Photographin ausbildet und 1929 ein eigenes Werbe- und Portraitstudio eröffnet: das in Avantgardekreisen bald berühmte Atelier "ringl+pit". 1933 bricht diese vielversprechende Karriere jäh ab. Die Erfahrungen von Emigration und Exil und die Begegnung mit der amerikanischen Photographie der 40er und 50er Jahre lassen neue, heute weniger bekannte Werke entstehen, darunter auch Farbaufnahmen, Filme, Cartoons und literarische Arbeiten. Autorportrait:

“I treat the boy down at the post office like the president of Russia, and the president of Russia like the boy down at the post office.” (David Bailey) Eye presents a selection of Bailey’s photographs spanning from 1962 to 2008. Mostly black-and-white, some in color, they feature influential directors, artists, fashion designers and musicians, including Andy Warhol, Henri Cartier-Bresson, Yves Saint Laurent, John Huston and Ellsworth Kelly. Despite the broad cross-section of subjects and the different creative spheres they inhabit, Bailey approaches them all with the same, egalitarian attitude – each is as important, or unimportant, as the next. This approach, often expressed by Bailey’s lack of props and minimal lighting, enables the photographer to tease from his subjects traits which often absent from more formal portraits – the warm benevolence of I.M. Pei for example, the exuberance of John Galliano, or the brooding look of Jean-Michel Basquiat. Crowned with cover art by Damien Hirst, Bailey’s Eye reveals unexpected facets of the creative minds who have defined and in many cases continue to shape the culture in which we live.

The premise of this book couldn’t be simpler: 130 photographs of Damien Hirst taken by David Bailey during a single shoot lasting eight minutes. Each pose is spontaneous and determined not by Bailey but by Hirst, who mocks the camera with his tongue poked out, mouth open wide and hands pulling at his cheeks. These photos are humble and unrehearsed, and so continue the sprit of Bailey’s Democracy in which Bailey photographed a cross section of naked subjects, shunning issues of composition, lighting and digital manipulation. Renouncing text and even a title page, 8 Minutes resists formulaic over-designed coffee-table publications. Bailey’s roguish message: what you see is what you get.

Boulevard is a visual tale of two disparate cities: Paris and Los Angeles. In the early seventies, Adam Bartos began to use color photography to document the contemporary urban landscape, infusing his images with a certain quietude and finding composition in even the most random corners of life. He often focused his lens on his native New York, and he published a monumental series of photographs of the modern architecture of the United Nations. In the late seventies, and then again in the early eighties, Bartos traveled to Los Angeles and Paris, taking his camera with him. The two trips would have a strong and lasting impact on his vision, and yet until recently, he had never considered the two cities — or bodies of work — together. In Boulevard, an intriguing dialogue takes place before our eyes. This is not the L.A. or Paris of postcards. As we venture through the scarcely inhabited hotel rooms, backyards, gas stations, and inevitably, city streets, we are struck by the graphical relationships and the surprisingly similar color palates. There is a magnetic attraction and repulsion between these two photo series and cities — polar opposites that, at unexpected moments, converge and suddenly attract. With a preface by Geoff Dyer, whose essays and works of fiction include But Beautiful, Paris Trance, and Out of Sheer Rage. The Ongoing Moment, a book about photography, will be published in October 2005.