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Torbjørn Rødland is to photography what the Pet Shop Boys are to pop music: a master of the delicately orchestrated clichée overload, a surcharge of the too obvious, too cute or too inane, played to the point where the images are drained of all trace of common sense and suggest a new sense of silence or mystery. Rødland has a knack for producing images that make you ask what are, in fact, appropriate motives for art photography: Images of single audio or video cassettes? Bleak black and white renditions of countryside churches? George W. Bush’s favourite ice cream? A black banana? Girls and pets, pets and girls? He creates a complex of readings that inveigles the viewer into spending time with each single image, to reconsider its meaning and relevance. White Planet, Black Heart makes no excuses as it reinvents the romantic impulses of popular culture.

“No one wants to be a prophet, if the job can be avoided. What you want to try to be is a psalmist.” (Robert Adams) Robert Adams began by photographing suburban landscapes along the edge of the Rocky Mountains. His goal was then, and remains, to acknowledge the disappearance of wilderness but also to discover a basis for affirmation. In the 1980s he went on to revisit semi-rural areas through which he had walked as a boy – landscapes no longer pristine but still notable for their quiet, space and light. The views in this book, none published before, record some of what he found compelling.

Josef Albers (1888 - 1976) ist als Maler, Farbtheoretiker, Bauhaus-Meister und Lehrer bekannt geworden. Erst nach seinem Tode entdeckte man in seinem Nachlaß Hunderte von Fotos. In Zusammenarbeit mit der Josef Albers Foundation hat der Kölnische Kunstverein eine erste Präsentation seines photographischen Werkes erarbeitet. Hrsg. von Marianne Stockebrand.

Paul Almasy, Fotograf, Journalist und Politologe, 1906 geboren und 98-jährig gestorben, Inhaber zahlreicher Fotopreise, Träger renommierter Orden und im Alter rühriger Gastdozent für Fotografie an der Sorbonne schuf über 50 Jahre sein „Archiv der Welt“, das über 120.000 Negative umfasst. Almasys Werk besteht aus zwei großen zeitlichen und formalen Einheiten: der Kleinbildfotografie (Frühwerk) der 30-er und 40-er Jahre und der Mittelformatfotografie (Hauptwerk) ab Mitte der 40-er Jahre. In diesem Buch wird das Frühwerk als bisher unveröffentlichtes Konvolut präsentiert, ein sowohl fotoästhetisch wie zeitgeschichtlich beachtliches Werk.

Darren Almond wuchs zwischen Kohleminen und Verkehrsknotenpunkten, mitten im Nordwesten Englands auf. In seiner Jugend war er ein begeisterter Trainspotter. Seitdem thematisierte er die Eisenbahn in vielen seiner Arbeiten, von Bahnhofsuhren, die er zu riesigen Skulpturen ausdehnt, zu Textexperimenten, die formell an die geprägten Zeichen an Schienenfahrzeugen erinnern. Journey Time, eine Filmtrilogie über außergewöhnliche Züge, ist sein wahrscheinlich ambitioniertestes Projekt in diesem Bereich und wird als Meilenstein seiner künstlerischen Laufbahn angesehen. Almond filmte die Wuppertaler Schwebebahn mit einer auf den Kopf gestellten Kamera, hielt eine Wiener Geisterbahn in expressionistischen Schwarz-Weiß-Bildern fest und dokumentierte eine Reise auf der höchstgelegenen Bahnlinie der Welt. Almond setzt moderne Transportmethoden als Metapher für den menschlichen Existenzkampf um. Der Katalog enthält die wesentlichen Bilder aus allen drei Filmen.

Die amerikanische Photographin Diane Arbus setzte in der Kunst, die sie ausübte, neue Maßstäbe. Ihr mutiges Sujet und ihr photographischer Ansatz haben sie zu einer herausragenden Figur in der visuellen Kunst des 20. Jahrhunderts gemacht. Ihre Bilder sind oft schockierend in ihrer Reinheit, ihrer unbeirrenbaren Hommage an die Welt, wie sie ist. Diane Arbus Revelations bietet zum ersten Mal Gelegenheit, Ursprung, Umfang und Ambitionen des außergewöhnlichen Werks von Diane Arbus zu studieren. Der vorliegende Band präsentiert 200 ganzseitige Duotone-Tafeln mit Aufnahmen aus Arbus' gesamter Schaffenszeit.

Untitled ist der dritte Band mit Photographien von Diane Arbus und der einzige, der sich ausschließlich einem Projekt widmet. Die Aufnahmen entstanden zwischen 1969 und 1971, in den letzten Lebensjahren der Photographin, in Heimen für geistig Behinderte. Sie plante zwar ein Buch zu diesem Thema, der überwiegende Teil der Photographien blieb jedoch bis heute unveröffentlicht. Die Bilder haben eine lyrische Qualität, eine emotionale Reinheit, die sie von allen anderen Werken der Photographin unterscheidet. ''Endlich, was ich gesucht habe'', schrieb sie damals. Die Bilder in diesem Buch sind das Ergebnis ihres stets unbeirrbaren Blicks für die Wirklichkeit, wie sie sie vorfand, sie scheinen weniger einer dokumentarischen als einer mythischen Wahrheit verpflichtet.Untitled ist vielleicht die romantischste, am deutlichsten ins Transzendente gehende Vision von Diane Arbus. Sie feiert die Unverwechselbarkeit und Zusammengehörigkeit von uns allen. Sie verlangt vom Betrachter, was sie der Künstlerin abverlangt hat: den Mut, die Dinge so zu sehen, wie sie sind, und die Bereitschaft, ihnen ihre Eigenheit zuzugestehen. Für Diane Arbus lag darin das Wesen der Photographie. Mit einem Nachwort von Doon Arbus, der Tochter der Photographin.

Ellen Auerbach, die 1906 in Karlsruhe geboren wurde und 2004 in New York starb, ist in vielerlei Hinsicht eine paradigmatische Figur: Ihre Bilder sind Ikonen der Avantgarde-Photographie, ihr Lebensstil ließ sie zur Verkörperung der "Neuen Frau" in der Weimarer Republik werden, und ihre Odyssee von Berlin über Palästina und London nach New York spiegelt das Schicksal tausender deutsch-jüdischer Künstler im 20. Jahrhundert. Ellen Auerbach wäre im Mai 2006 hundert Jahre alt geworden. Unsere Monographie, die eine Ausstellung in der Münchner Pinakothek der Moderne begleitet, folgt den Stationen einer künstlerischen Entwicklung, der die Zeichen der Zeit im Positiven wie im Negativen den Weg wiesen. Im Berlin der 20er Jahre studiert Ellen Auerbach zunächst Bildhauerei, bevor sie sich bei dem Bauhaus-Lehrer Walter Peterhans zur Photographin ausbildet und 1929 ein eigenes Werbe- und Portraitstudio eröffnet: das in Avantgardekreisen bald berühmte Atelier "ringl+pit". 1933 bricht diese vielversprechende Karriere jäh ab. Die Erfahrungen von Emigration und Exil und die Begegnung mit der amerikanischen Photographie der 40er und 50er Jahre lassen neue, heute weniger bekannte Werke entstehen, darunter auch Farbaufnahmen, Filme, Cartoons und literarische Arbeiten. Autorportrait:

Richard Avedon: Fashion 1944-2000 umfasst nahezu sieben Jahrzehnte außergewöhnlicher Modephotographien von Richard Avedon, der die Modephotographie des 20. Jahrhunderts wie kein zweiter beeinflußt hat: Von den frühen bahnbrechenden Aufnahmen für "Harper's Bazaar" bis zu seinen kreativen Session für "Vogue", "Egoiste" und "The New Yorker". Dabei arbeitete er jeweils mit den beste Models, namhaften Stylisten und Designern zusammen. Dieser Band erscheint anläßlich der großen Ausstellung im International Center of Photography in New York, die am 10. Mai eröffnet. Es ist die erste große Retrospektive der Modephotographien von Richard Avedon überhaupt. Das Cover enthält ein Lentikular-Wackelbild - das linke Auge blinzelt! Englisch mit deutscher Textbeilage.

In January 1962, still in his early twenties, David Bailey fulfilled a dream that dated back to his years in Singapore, serving in the Royal Air Force. Heading to the USA, home of the jazz musicians that had inspired him and the source of his original ambition to be a trumpet-player, Bailey was on his first foreign trip for Vogue, together with his model and girlfriend, Jean Shrimpton. The impact of the early Bailey/Shrimpton collaborations set new standards that helped put Britain back on the world map of popular culture. And the attack on the generational chasm Bailey spearheaded is underlined by the warning he was given that, as a representative ofVogue, he was not to wear his leather jacket in the St Regis Hotel. (Of course he ignored the advice). The ground-breaking series Bailey photographed in wintry New York with his recently acquired 35mm camera was special. He immortalised his excited response to the freedom it allowed, the licence to quit the confines of the studio and shoot rapidly on the streets. These photographs occurred at that pioneer moment, shortly before Bailey, who was already alert to Pop Art, met Andy Warhol, and a year before his friends the Rolling Stones first launched their own transatlantic invasion. Bailey's historic visual breakthrough is manifested in the energy of these images, yet at the same time they convey a certain innocence – the photographs of these “absolute beginners” have a charm and freshness that continue to resonate today.