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Adam Elsheimer (1578-1610) ist in der Weltgeschichte der Malerei immer noch ein großer Unbekannter - zumindest für das breite Publikum. Dabei hat sein schmales Oeuvre - 49 auf kleine Kupfertafeln gemalte Ölbilder, wenige Gouachen, Zeichnungen und Druckgraphiken - die Kunst seiner Zeit und späterer Jahrhunderte nachhaltig verändert. Unter Malerkollegen, Sammlern und Kunstsinnigen waren seine Bilderfindungen schon zu Lebzeiten Legende. Vor allem seine Nachtstücke - darunter die 31 x 41 cm kleine Flucht nach Ägypten - eröffneten den Zeitgenossen Galileis einen neuen, zugleich poetischen und naturwissenschaftlich fundierten Blick auf die Welt und den Sternenhimmel. Die kleinen Bilder, in denen sich Malkunst mit frühen astronomischen Kenntnissen vereinen, wurden zu Wegbereitern der großen idealen Landschaftskompositionen eines Claude Lorrain und wirkten bis zu Caspar David Friedrich in der deutschen Romantik nach. Keith Andrews' reich bebilderte Monographie mit Werkverzeichnis, nach wie vor ein Standardwerk der Kunstgeschichte, ist jetzt als leicht verkleinerte Studienausgabe erhältlich.

Der Bildhauer Hans Arp (1886–1966) wird als einer der Pioniere der gegenstandslosen Plastik des 20.Jahrhunderts angesehen. Kennzeichnend für seine organische Formensprache sind die dem Wachsen der Natur analogen anthropomorphen Plastiken, deren Entstehung er als Konkretion bezeichnete, d.h. „als naturhaften Vorgang der Verdichtung, Verhärtung, des Gerinnens, des Dickerwerdens, des Zusammenwachsens.“ Arp zog es vor, nicht von Abstraktionen zu sprechen, da die plastischen Gebilde die Natur nicht abbilden, sondern paraphrasieren und selbst konkrete Formen hervorbringen. Nicht nach der Natur, sondern wie die Natur wollte er arbeiten. Seine Reliefs und Collagen, die wie seine Dichtung als wichtiger Beitrag zur dadaistischen und konstruktivistischen Kunst angesehen werden, zeugen von dem spielerischen Umgang geometrischer und biomorpher Formen sowie von dem Schein des Zufälligen. Die Publikation über Hans Arp, die anlässlich der Eröffnung des von Richard Meier entworfenen neuen Arp Museums in Rolandseck erschien, dokumentiert die Vielfältigkeit des künstlerischen und dichterischen Œuvres.

Westwerk Havelhaus macht Sie bekannt mit den jüngsten skulpturalen Arbeiten des Berliner Malers und Zeichners Martin Assig (geb. 1969 in Schwelm): kleinformatige, farbige, in der Technik der Enkaustik bemalte Objekte in Gestalt von Kirchen und Häusern. Aus Holz, Papier, Pappmaché und Draht gefertigt, verbindet sich in ihnen artistische Raffinesse mit einer seltsam anmutenden kindlichen Naivität - Spielzeuge, Bauklötze. Sie strahlen Frömmigkeit und einen besonderen Sinn für Meditatives aus. Eugen Blume, der Verfasser des Einleitungsessays beschreibt die Objekte so: "Martin Assigs Skulpturen feiern diese innere Einheit des Geistes, seine konstruktiven, mathematischen, rationalen Möglichkeiten und seine unberechenbaren Seelenkräfte, die, wenn beide sich harmonisieren, den Menschen erst schaffen. Die Kirchen- und Hausskulpturen von Martin Assig zielen auf den Kopf als Bau, auf seine ungeklärte Innerlichkeit, die alles, den Auf- wie auch Untergang der Kulturen ermöglicht und zugleich unser tiefstes Rätsel bleibt." Westwerk Havelhaus presents recent sculptures by Berlin artist Martin Assig: small-size, colorful objects shaped like churches and houses, made of wood, paper, papier mâché, and wire, and painted in the technique of encaustic. A mix of artistic sophistication and childlike naivety, these toy bricks radiate a particular piousness and sense of meditation. English/German text.

Die Malerei der Renaissance in Deutschland verdankt ihren Ruhm den großen Namen der Kunstgeschichte: Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Albrecht Altdorfer, Hans Holbein, Hans Baldung Grien und Grünewald - jeder von ihnen eine starke und eigenwillige Künstlerpersönlichkeit. Im Dialog mit Italien entdecken sie um 1500 eine atemberaubend sinnliche und tiefsinnige neue Welt, die sie in ihren atmosphärischen Naturbildern, lebensvollen Portraits, in ihren großen Altarschöpfungen und erzählfreudigen Historienbildern zu fassen versuchen. Tätig am kaiserlichen Hof Maximilians in Wien und Innsbruck, an den deutschen Fürstenhöfen, in den Handelsmetropolen Nürnberg, Frankfurt, Straßburg und im Augsburg der Fugger bilden sich Malschulen wie die "Donauschule", deren Entstehung und Stilmerkmale in diesem opulenten und reich bebilderten Band vorgestellt werden. Die ganze Pracht und Vielfalt der Malerei und Zeichenkunst nördlich der Alpen entfaltet sich hier auf 200? ganzseitigen Farbtafeln - in den dämonischen Bildern Hans Baldung Griens, der visionären Malerei des Isenheimer Altars von Grünewald, in den Kunstschöpfungen der Reformation, die der Malerei des 16. Jahrhunderts ihr ganz eigenes unverwechselbares Gepräge geben. Anne-Marie Bonnet, gebürtige Französin und Spezialistin für die Kunst der Dürer-Zeit, leitet den Lehrstuhl für Mittlere und Neuere Kunstgeschichte in Bonn. Neben Buch - publikationen u.a. zu Positionen der Gegenwartskunst schrieb sie den einleitenden Essay für den Schirmer/ Mosel-Band Auguste Rodin. Bilder des Begehrens (1995). Gabriele Kopp-Schmidt ist wissenschaftliche Mitarbeiterin am Lehrstuhl für Kunstgeschichte der Ludwig-Maximilians- Universität München. Spezialisiert auf die Malerei, Skulptur und Plastik des 15. und 16. Jahrhunderts, veröffentlichte sie mehrere Bücher zur Ikonographie und kunsttheoretischen Themen, auch gemeinsam mit Anne-Marie Bonnet. Autorportrait:

Seit über 40 Jahren gestalten die Künstler Gilbert & George (*1943/1942) die für sie typischen, außergewöhnlichen, großformatigen Bilder. Auf ihre zutiefst ernsthafte, optisch kraftvolle, aber dennoch provokative Art erkunden die Künstler Themen wie Religion, Sexualität und Diskriminierung. Diese Publikation mit über 153 farbigen Abbildungen präsentiert die neue, umfangreiche Werkgruppe Jack Freak Pictures des Künstlerpaares. Im Mittelpunkt der Serie steht das britische Nationalsymbol, der Union Jack, mit all seinen unterschiedlichen Konnotationen vom Sinnbild für Nationalstolz bis hin zum Kultsymbol britischer Popkultur. Umgeben von Medaillen und Amuletten, den Straßen Londons und dem rot, blau und weißen Design der britischen Nationalflagge sind Gilbert & George wie auch in ihren vergangenen Arbeiten nicht nur die Schöpfer, sondern auch die Bewohner ihrer eigenen Bildwelt.

Neben Max Liebermann gehört Lovis Corinth (1858-1925) zu den herausragenden Künstlerpersönlichkeiten, die mit ihrer Malerei die Moderne in Deutschland vorbereiteten. Corinths lustbetonte Akte, seine Stillleben und Landschaften markieren einen entscheidenden Wendepunkt in der Entwicklung der deutschen Malerei. Zudem hat sich Lovis Corinth in seinem Werk immer wieder mit dem Selbstbildnis beschäftigt, ja gerade in dieser Auseinandersetzung mit sich selbst dokumentiert er die Veränderungen innerhalb seiner Kunst: den Weg vom selbstbewusst posierenden Künstler, der dabei häufig mit dem weiblichen Modell als Gegenpart spielt, hin zum kranken, in sich gekehrten Individuum nach einem Schlaganfall im Jahre 1911. Diese beiden Gegenpole - der Schauspieler Corinth und die Zerbrechlichkeit der Oberfläche, die Selbstbeobachtung von Außen nach Innen - dokumentieren wie in kaum einem anderen Werk die Persönlichkeit des Künstlers. Neben zahlreichen Aquarellen, Zeichnungen und druckgrafischen Blättern werden in diesem Band rund 30 der ursprünglich 42 gemalten Selbstbildnisse Lovis Corinths gezeigt und in den Katalogtexten ausführlich untersucht.

John Deakins eindringliche Fotografien dokumentieren das Leben auf den Straßen von London, Paris und Rom. Diese Bilder der fünfziger und sechziger Jahre zeigen die andere Seite des Schaffens von John Deakin, dem exzessiven Trinker und genialen Modefotografen - sein Auge richtet sich auf das Besondere im Alltäglichen. Es sind eigentümlich beseelte Botschaften aus einer vergangenen Zeit.

Sabine Dehnel (*1971) geht in ihrer Arbeit über einsame Routen und weite Strecken. Malerei und Fotografie stehen bei ihr nicht im kräftemessenden Wettbewerb, sondern in einem sich wechselseitig befruchtenden Dialog: Der Weg der Umwandlung führt vom Trivialfoto und der daraus resultierenden Collage über die Malerei zum nachgebauten »lebendigen Bild« einer temporären Installation, ehe er schließlich in einem C-Print endet. Die Malerei wird dabei in das Medium zurückversetzt, aus dem sie ursprünglich hervorgegangen war. Aus diesem transformierten Nachbild entwickelt Dehnel dann ihre seriellen Inszenierungen, die sich immer weiter von der malerischen Vorlage entfernen. Dies geschieht entweder dadurch, dass die im groben Anschnitt abgebildeten Personen vor unveränderter Kulisse ihre eigene Geschichte fortschreiben oder indem sie0in ihrer starren Pose verharren, aber in immer neue Raumzusammenhänge gebracht werden. Anderswo versammelt die Werkserien der Jahre 2002–2006 und verdichtet so die symbiotische Allianz von Malerei und Fotografie.

SEEMANNs Lexikon der Skulptur liefert fundierte Informationen über bildhauerische Sujets im Wandel historischer Stile, erklärt Werktechniken sowie ikonografische und formale Termini aus dem weiten Gebiet der Skulptur. In Kurzbiografien werden fast 500 Stein- und Holzbildhauer, Erzbildner und Kunsthandwerker, Avantgarde- und Objektkünstler von der Antike bis zur Gegenwart sowie zahlreiche herausragende Werke plastischer Kunst vorgestellt. Autorportrait: Dr. phil Stefan Dürre, geb. 1963, ist Kunsthistoriker und Bildhauer in Dresden. Er veröffentlichte bisher zahlreiche wissenschaftliche Arbeiten über Themen aus den Bereichen Bildhauerei und Plastik.